FULL HOUSE – GESICHTER EINER SAMMLUNG, KHMA 2006

Full House – Gesichter einer Sammlung

Kunsthalle Mannheim

2. April – 4. September  2006

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

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Einladung

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, EINLADUNG, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - GESICHTER EINER SAMMLUNG, EINLADUNG, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - GESICHTER EINER SAMMLUNG, EINLADUNG, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - GESICHTER EINER SAMMLUNG, EINLADUNG, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

Preview Förderkreis & Special Events März & April 2006

DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

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DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

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Eröffnung  1. April, 2006

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DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

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DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

DR. ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, OPENING, KUNSTHALLE MANNHEIM 2006

 

Rundgang durch die Ausstellung

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Katalog

ROLF LAUTER, FULL HOUSE - FACES OF A COLLECTION, KATALOG COVER 2006

 

Ausstellungsräume nach Themen & Künstlern

ROLF LAUTER, FULL HOUSE-FACES OF A COLLECTION, LEVEL 0

– Neubau –

N1, N2   „Time is an ocean…“

Alexander Calder, Alighiero e Boetti, Anselm Kiefer, Eduardo Chillida, Jannis Kounellis, Les Frères Henri, Nigel Hall, Ossip Zadkine, Richard Long, SEO, Stefanie Bühler, Ulrich Rückriem, Yan Pei-Ming

N3   „You may not see me tomorrow“

Shirin Neshat

N4   „Born under a wandering star“

Bill Viola, Karl Schuch, Christian Georg Schütz d. Ä.,  Chunqing Huang, Edmund Kanoldt, Gustav Schönleber, Jeff Wall, Karl Kuntz, Max Kaminski, Max Slevogt, Theodor Verstraete

N5   „Word on a wing“

Hussein Chalayan (Special I)

N6   „Scheme of things“

Antony Gormley, Barry Flanagan, Bernard Schultze, Bernhard Martin, Fritz Wotruba, Germaine Richier, Giuseppe Gallo, Henry Moore, Joan Miró, Louise Nevelson, Miguel Berrocal, Nam June Paik, Otto Freundlich, Stella Hamberg

ROLF LAUTER, FULL HOUSE-FACES OF A COLLECTION, LEVEL 1

N7, N7a, N7b   „You may find yourself in a beautiful house“

Horst Hamann, Slater Bradley, Mawuli Afatsiawo

N8b   „…and it ends at the shore…“

Clare Langan, Merlin James, Stefanie Bühler

N8  „Simple twist of fate“

Yan Pei-Ming

N8a, N9  „Simple twist of fate“

Axel Geis (Special II)

Candice Breitz, Francis Bacon, Jaume Plensa, Luis Bunuel, On Kawara, Sergey Bratkov

 

– Altbau –

A1  “Ursprung und Erhabenheit”

Constantin Brancusi, Joseph Kosuth, Nasan Tur, Keramische Arbeiten

A2, A3, A4   “Formen des Absoluten“

Carl Andre, Gerhard Richter, Günther Förg, Herbert Hamak, John McCracken, Kasimir Malewitsch, Laszlo Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Yves Klein

A5  Hector Forschungszentrum

Thomas Luer

A6  “Sleep of Reason”

Bill Viola, Ryuji Miyamoto

A7   “City Light“

Jeppe Hein, Keith Sonnier, Lyonel Feininger, Mario Merz, Peter Fink, Theodor Werner

A8   “Formen des Absoluten“

Keramische Arbeiten

A9   „Sound of silence“

Axel Geis (Special II), Barbara Hepworth, Clive Barker, Darren Almond, Francisco de Goya, George Rickey, Kutlug Ataman, Oliver Boberg, Piero Steinle, Rudolf Belling, Sam Taylor-Wood, Susanne Starke

A10  „Grafisches Kabinett“

A11   “Von der Schönheit der Linie”

Auguste Rodin, Joseph Beuys, Wilhelm Lehmbruck, Asiatische Kalligraphie

A12   “Vom Klang der Formen”

Alexander Archipenko, Bernhard Martin, Cy Twombly, Fernand Leger, Giuseppe Gallo, Jacques Lipchitz, John Baldessari, Julio Gonzalez, Kurt Schwitters, Max Ernst, Nedko Solakov, Neo Rauch, Oskar Schlemmer, Paul Klee, Ruprecht von Kaufmann, Umberto Boccioni, Wassily Kandinsky, Wols

A13   “Spuren der Existenz”

Alberto Giacometti, Giorgio Chirico, Marlene Dumas, Matthias Weischer, Wilhelm Lehmbruck

 ROLF LAUTER, FULL HOUSE-FACES OF A COLLECTION, LEVEL 2

 

– Neubau –

N10   „Small faces“

Alexander Archipenko, Anna Mahler, Aristide Maillol, Auguste Rodin, Benno Elkan, Bernhard Heiliger, Charles Despiau, Edwin Scharff, Emy Roeder, Ernst Barlach, Franz Gelb, Fritz Cremer, Georg Kolbe, Gerd Dehof, Gustav Seitz, Hans Wimmer, Laurent Friedrich Keller, Ludwig Kindler, Max Klinger, Otto Schliessler, Richard Scheibe, Theo Siegle, Waldemar Grzimek, Wolfgang Mattheuer

N11   „As tears go by“

Jeff Wall

N12   „Take a walk on the wild side“

Lynette Yiadom-Boakye

N13   „Goodbye yellow brick road“

Alastair Thain, Eamonn McLoughlin

N14   „Love me tender“

Nina Hoffmann

N15-N18   „No colors anymore I want them to turn black“

Antoine Pevsner, Antoni Tàpies, Axel Geis (Special II), Bernard Schultze, Corneille, Daniel Richter, David Salle, David Schnell, Emil Schumacher, Emilio Vedova, Ernst Wilhelm Nay, Fiona Rae, Fred Thieler, Fritz Winter, Georg Meistermann, Georges Mathieu, Gerhard Hoehme, Hans Hartung, Hans Uhlmann, Jens Lehmann, K.R.H. Sonderborg, Karl Fred Dahmen, Karl Otto Götz, Manfred Pernice, Michel Majerus, Naum Gabo, Norbert Bisky, Norbert Kricke, Otto Greis, Peter Brüning, Pierre Soulages, Rolf Cavael, Sven Kroner, Uwe Kowski (Special IV), Wawrzyniec Tokarski (Special V), Willi Baumeister, Zbigniew Rogalski (Special III)

N19   „Hallo darkness, my old friend“

Antonio Saura, Auguste Rodin, Gilbert & George, Glenn Brown, Gustav Seitz, Heiner Blum, Kris Martin, Kruzifix (17. Jh.), Marcel Dzama, Marino Marini, Reginald Butler, Slater Bradley, Thomas Zipp, Werner Tübke

N20 , N21   „Let’s get physical“

Alexander Archipenko, Aristide Maillol, Auguste Rodin, Candice Breitz, Carl Hofer, Edgar Degas, Emil Nolde, Ernesto de Fiori, Félix Vallotton, Franz von Stuck, Georg Kolbe, George Minne, Giacomo Manzù, Gustav Seitz, Hans Arp, Hans Wimmer, Henri Laurens, Henry Moore, Hermann Geibel, Honoré Daumier, James Lloyd, Jean Fautrier, Karl Albiker, Ludwig Kasper, Manolo (Manuel Martinez i Hugué), Martin Eder, Nobuyoshi Araki, Otto Mueller, Peter Fink, Pipilotti Rist, Ralph Gibson, Richard Scheibe, Roger Fritz, Sandra Mann, Waldemar Grzimek, Wilhelm Gerstel, William Turnbull, Wolfgang Mattheuer, Yan Pei-Ming

 

– Altbau –

A14, A15, A17   “Magie des Banalen”

Arman, César, Daniel Spoerri, Domenico Gnoli, Francois Dufrene, Georg Herold, Gérard Deschamps, Jacques de la Villeglé, Jean Tinguely, Jeff Wall, Jessica Stockholder, Jon Kessler, Mimmo Rotella, Niki de St. Phalle, Peter Fischli & David Weiss, Raymond Haines, Runa Islam, Sigmar Polke

A16   “Von der Freundschaft” 

Bruce Naumann, Pat York, Sandra Mann, Stefan Szczesny

A18   “Vom Fluss der Zeit”

Alexander Kanoldt, Carl Blechen, Carl Hofer, Franz Lenk, Franz Radziwill, Georg Scholz, Iwan Babij, James Llyod, Robert Delaunay, Wolfgang Mattheuer, Xaver Fuhr

A19   “Die Schönheit des Schmerzes”

Max Beckmann

A20   “Fremde Welten”

August Macke, Emil Nolde, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Franz Marc, Henri Matisse, Hermann Scherer, Jörg Immendorff, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein, Otto Mueller, Wilhelm Lehmbruck

A21, A25   “Traum und Wirklichkeit”

Adolph von Menzel, Alexej von Jawlensky, Anselm Feuerbach, Arnold Böcklin, Axel Geis (Special II), Carl Spitzweg, Dana Schutz, Erich Heckel, Eugen Knaus, Ferdinand von Rayski, Fritz von Uhde, Gabi Hamm, Georg Friedrich Kersting, George Grosz, Hans von Marées, Jana Franke, Jen de Rin, Jonathan Meese, Joseph Anton Settegast, Juan Gris, Julius Schnorr von Carolsfeld, Lovis Corinth, Magnus von Plessen, Martin Eder, Max Liebermann, Max Slevogt, Neal Tait, Oskar Kokoschka, Otto Dix, Paul Cézanne, Werner Tübke, Wolfgang Mattheuer

A26   „Tod und Verklärung“

Cecily Brown, Edouard Manet, James Ensor, Jonathan Meese, Thomas Zipp, Yan Pei-Ming

A27, A28   „Poesie der Natur“

Albert Lang, Alfred Sisley, Anselm Feuerbach, Camille Corot, Camille Pissarro, Carl Kuntz, Carl Rottmann, Carl Spitzweg, Caspar David Friedrich, Claude Monet, Edmund Friedrich Kanoldt, Edvard Munch, Eugène Delacroix, Ferdinand Hodler, Fritz von Uhde, Gabi Hamm, Hans Thoma, Heinrich Bürkel, Johan Christian Clausen Dahl, Johann Wilhelm Schirmer, Max Slevogt, Medardo Rosso, Oswald Achenbach, Pierre-Auguste Renoir, Sven Kroner, Vincent van Gogh, Wilhelm Trübner, Wolfgang Mattheuer

A22   „Mannotopia 1“

Paul McCarthy

A 23   „Nature rediscovered“

Susa Templin

A 24 „Mannotopia 2“

Chris Cunningham

ROLF LAUTER, FULL HOUSE-FACES OF A COLLECTION, BUNKER LEVEL

– Bunker –

B1-B5   “Spiegelbilder der Seele”

Andreas Hofer, Bryan Crockett, Chris Cunningham, Dennis Scholl, Douglas Kolk, Henning Kles, Jen Ray, Ruprecht von Kaufmann, Sarah Morris, Uwe Lausen, Willie Doherty

 

Katalog Einführung

Zu träumen ist daher von einem offenen Museum, das neue Werke sowohl schützt als auch immer wieder preisgibt, und zwar der unendlichen Reflexion seiner Besucher. Diese Konstellation immer wieder zeitgemäß zu gestalten, ist Aufgabe eines Museums, das der Vergangenheit wie der Gegenwart verpflichtet ist, weil sich jene nur in dieser einholen und diese sich nur durch jene bestimmen lässt.           Michael Diers

„Demand the best. Don’t accept excuses!“, ist einer unserer Leitgedanken für die umfassende Neupräsentation der Sammlungsbestände der Kunsthalle Mannheim, die zum 1. April unter dem Titel „Full House – Gesichter einer Sammlung“ eröffnet wird.

 Als ich im November 2002 im Mannheimer Kulturausschuss zum ersten Mal mein Konzept für „Die Neue Kunsthalle – Ein Museum der Gegenwart“ skizzierte sowie entsprechende Vorstellungen und Ziele für die Jahre 2003 bis 2007 ausführte, war wohl den wenigsten Zuhörern wirklich klar, dass am Ende eines schwierigen Weges nicht weniger als die komplette Neupräsentation der Sammlungsbestände stehen sollte. Nach einer fast einhundertjährigen und mitunter sehr wechselvollen Geschichte dieses Hauses war es notwendig, einen Neubeginn zu wagen, der – von der unmittelbaren Gegenwart ausgehend – Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in einen lebendigen kulturellen Organismus überführt. Um dies zu erreichen wurden zum einen die drei Gebäudeblöcke des Museums – Altbau, Neubau und Bunker – mit einem neuen Raum- und Funktionsprogramm ausgestattet, zum anderen erfolgt die Präsentation der Sammlungsbestände insgesamt unter neuen inhaltlichen Leitlinien, die vor allem drei Aspekte berücksichtigen:

1

Während der traditionelle Werkbegriff weitgehend von der Autonomie des Kunstwerks ausgeht, basiert der die Gegenwartskunst insgesamt prägende erweiterte Werk- oder Kunstbegriff auf Werkgestaltungen, die sich auch auf die konkrete räumliche Umgebung – bis hin zum urbanen Kontext – beziehen oder diese sogar in die Arbeit integrieren. Ein ‚Museum der Kunst und Gegenwart’ muss demnach in seiner räumlichen Gestaltung wie auch in der Präsentation sowohl dem traditionellen Werk in seiner spezifischen Eigenart gerecht werden als auch Vermittlungsformen erarbeiten, die dem veränderten Werkbegriff Rechnung tragen.

2

Fortschreitende Aktualität kann in einem Museum nur erzielt werden einerseits durch die konsequente Suche nach dem Neuen und nicht nach dem Anerkannten in der Gegenwartskunst, andererseits durch die Ermöglichung des Dialogs zwischen Gegenwärtigem und Vergangenem. Gerade das gesellschaftliche Modell der ‚Moden’ macht überaus deutlich, wie stark historisch Gewordenes stets aktualisiert werden kann und die Gegenwart ästhetisch zu beeinflussen vermag. Insofern soll hier im Weiteren ausgeführt werden, dass zwischen der traditionellen, autonomen und auf dem Einzelwerk als Ganzheit aufbauenden Kunst und der auf Werkgruppen, Rauminstallationen oder kontextbezogenen Gestaltungsformen aufbauenden Kunst werkübergreifende Beziehungsstrukturen hergestellt werden können, die in den Werken selbst begründet liegen.

3

Die meisten Werke der Gegenwartskunst basieren auf dem inhaltlichen Prinzip eines kulturellen Austauschprozesses, der sich in der Weise manifestiert, dass alle Werke ihre bildnerische Sprache aus dem Formen-, Sprachen- und Gegenstandsfundus der historischen und modernen Kunst sowie aus der gegenwärtigen Alltagswelt ableiten. Zitierende Paraphrasen werden gezielt inszeniert, um die Sprache der Kunst auf sich selbst verweisen zu lassen. Ausdrucksmomente oder Relikte des alltäglichen Lebens stehen für sich selbst und für die in Verbindung mit ihnen zu sehenden Bedeutungen.

Die Kunst versucht zu allen Zeiten unsere gewohnte Wahrnehmung herauszufordern, zu verunsichern. Sie baut Widersprüche auf, um uns zu einer reflexiven Haltung in Fragen der Wirklichkeitserfahrung zu bewegen – unter Einbeziehung von Erinnerungen an unsere Vergangenheit und Projektionen einer möglichen Zukunft. Damit kommt der Kunst in Zukunft eine zentrale Bedeutung für das ‚Denken der Gegenwart’ zu.

Die Kunsthalle Mannheim positioniert sich mit der nun realisierten Neupräsentation der Sammlung regional, national und international als eines der ersten Museen, das nicht mehr auf dem Modell der ‚Rekonstruktion von Geschichte’ basiert, sondern ein ‚dialogisches Konzept’ formuliert, welches das ‚Wesen’ des Kunstwerks und die ästhetische Wahrnehmung in den Vordergrund stellt. Diese Neupositionierung bezieht sich inhaltlich auf den berühmten Aufsatz Walter Benjamins über „Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit“ aus dem Jahr 1936, in dem der Autor folgenden Satz formuliert: „Innerhalb großer geschichtlicher Zeiträume verändert sich mit der gesamten Daseinsweise der menschlichen Kollektiva auch die Art und Weise ihrer Sinneswahrnehmung.“ Nach Benjamin basiert der Echtheitsbegriff eines Kunstwerks auf seiner Einmaligkeit, seiner unverwechselbaren „Aura. Diese Echtheit des Werks manifestiert sich im „Hier und Jetzt“.

Anmerkungen zur Geschichte der Insitution ‚Museum’

Die etwa zweihundert Jahre alte Geschichte der öffentlichen Institution ‚Museum’, die sich aus antiken Vorformen der Kunstsammlung, aus höfischen, kirchlichen und privaten Sammlungen des 14. bis 18. Jahrhunderts sowie aus den Kunst- und Wunderkammern des 15. bis 18. Jahrhunderts entwickelte, muss nach dem Ende der Moderne insgesamt einer neuen Standortbestimmung unterzogen werden. Damit wollen wir die seit Hegel Anfang des 19. Jahrhunderts formulierte Vorstellung vom Museum als einem Ort der ”Konstruktion von Geschichte” und der ”Musealisierung der Kunst” aus dem Blick der Gegenwart thematisieren und gleichzeitig zu Beginn des 21. Jahrhunderts kritisch hinterfragen.

Mit der Umwidmung des königlichen Kunstbesitzes der „Galerie du Louvre“ in Paris durch das französische Nationalkonvent im Jahr 1793 zum Nationaleigentum und der damit verbundenen Öffnung des Louvre für das Bürgertum erfolgte die wohl weitreichendste Auflösung des Konzepts der bis dahin vorhandenen ‚alten’ Kunstsammlung. Bestand die genuine Zielsetzung gleich welchen klerikalen, höfischen oder privaten Sammlers bis dahin meist darin, Kunst- und Kulturschätze aus verschiedenen Zeiten und Ländern der Welt unter subjektiven Aspekten zusammenzutragen und diese nach individuellen Kriterien zu ordnen, so änderte sich die Sammlungsstruktur mit der Öffentlichmachung des Kunstbesitzes in einem nun speziell eingerichteten oder neugebauten Museum sehr einschneidend. Unter Rückbeziehung auf den griechischen Begriff ‚museion’ sollte sich der Bürger anhand der ausgestellten Kunstwerke in der ‚Musen- und Forschungsstätte’ durch eine entsprechend gegliederte und präsentierte Sammlung sowie unter Anleitung in Wort und Text Bildung aneignen. Hierzu war es notwendig, die zuvor nach subjektiv-intellektuellen Vorstellungen aufgebauten Sammlungen in einfacher strukturierte Sammlungen zu überführen, um dem bürgerlichen und meist nicht so gebildeten Betrachter anhand von objektivierbaren Kriterien eine Kenntnis erweiternde Bildung zu ermöglichen.

Das sich im 19. Jahrhundert vor allem in Europa rasch verbreitende allgemeine Museumskonzept bestand primär darin, die ehemals höfischen oder privaten Sammlungsbestände zunächst einmal in Kunstbestände und Bestände anderer Art zu trennen, um die Kunstwerke dann nach Kunstgattungen zu unterscheiden. So entstanden zunächst Museen, in denen Gemäldegalerien, Skulpturensammlungen und Kupferstichkabinette eingerichtet wurden. Die Geschichte der Mannheimer Kunsthalle war von diesem Ordnungssystem bis heute ebenfalls geprägt.

Parallel zum Prozess der ‚Kategorisierung’ von Sammlungsbeständen und der ‚Musealisierung’ von Kunst entwickelte Hegel im frühen 19. Jahrhundert ein geschichtsphilosophisches Konzept zum Museum, das nicht mehr auf der klassizistischen Vorstellung von der Nachahmung der Antike in der Kunst der Gegenwart beruht, wie sie etwa Hölderlin und Schelling propagierten, sondern ein dynamisches Entwicklungsmodell der Kunstgeschichte vorsah. Hegels Museumskonzept basiert im Kern auf dem Gedanken des Fortschritts. Das von ihm gedachte und sich in Schinkels Berliner Museum von 1830 manifestierende Konzept gliedert die Sammlungsbestände chronologisch nach Epochen und topographisch nach Regionen, Künstlern und Schulen. An diesem Konzept eines Museums als Wandelgang durch die Geschichte orientieren sich heute weltweit die meisten Kulturinstitute, die kunsthistorische Sammlungen beherbergen.

Mit dem Beginn des ‚öffentlichen Museums’ etablierte sich das seinen zunächst magischen, später kultisch-religiösen Funktionen enthobene, abbildhafte, autonome Kunstwerk zu einem Museums- und Sammlerwerk. Diese Entwicklung fand im Zusammhang mit der ‚L’art-pour-l’art’-Diskussion des 19. Jahrhunderts eine konsequente Weiterführung. Erst für die Kunst der Moderne, also die historische Avantgarde der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, lässt sich dann eine Veränderung in der Formulierung des künstlerischen Werkbegriffs konstatieren. Das bis dahin durch seine Einmaligkeit und Funktionslosigkeit geprägte autonome Kunstwerk verlor im Zusammenhang mit der wachsenden Technologisierung allmählich seine Authentizität und Aura, mit der es sich von der äußeren Wirklichkeit abgesetzt hatte. An die Stelle des autonomen Gebildes, das von einem selbstreferenziellen Eigenraum und einer spezifischen Eigenrealität bestimmt war, trat mit Beginn der 60er Jahre des 20. Jahrhunderts ein erweiterter Werk- und Kunstbegriff. Parallel zu der damals einsetzenden Verbreitung neuer Medien sahen sich viele der jüngeren Künstler mit der Situation eines Stilpluralismus, einer totalen Verfügbarkeit gestalterischer Mittel und inhaltlicher Möglichkeiten konfrontiert. Daher versuchten sie, ein neues bildnerisches Denken zu formulieren, das vor allem auf dem kreativen Potenzial des Individuums basiert. Der Glaube an die ‚eine’ vorbildhafte Künstlersprache der Avantgarde, die ‚eine Wahrheit’, wurde durch die Komplexität vieler sich gleichzeitig entwickelnder individueller Sprachen, d.h. eine Situation der ‚vielen Wahrheiten’ ersetzt.

Werke der Gegenwartskunst seit dieser Zeit manifestieren sich verstärkt als raum- und aktionsbezogene Kunstformen, die in metaphorischer oder symbolischer Weise auf die Realität der Welt verweisen. Zunehmend beziehen sie sich auf den faktischen Museumsraum, den privaten oder den öffentlichen Raum und damit auf die Wirklichkeit des Betrachters. Darin manifestiert sich die Suche vieler Künstler nach der verloren gegangenen ‘authentischen‘ Wirklichkeit des Subjekts, nach dem subjektiven Denken, Fühlen, Sehen und Wahrnehmen von Gegenwart.

Gleichzeitig beziehen sie sich viel deutlicher als Kunstwerke früherer Zeiten auf funktionale, gesellschaftliche, architektonische oder urbane Kontexte bzw. geben diese als Teil des Werkes zu erkennen. Mit der wiederkehrenden kontextuellen Qualität gewinnt das Kunstwerk auch zunehmend die Qualität der „Aura“ zurück – es weist weit über sich hinaus, ist dabei aber stark von der Erfahrung des „Hier und Jetzt“ geprägt. Dementsprechend muss ein Museum von heute den kontextuellen Bedürfnissen des Kunstwerks Rechnung tragen und diese in ihrer spezifischen Eigenart vermitteln. Es muss daher gleichzeitig räumliche Gegebenheiten berücksichtigen sowie ästhetische Präsentations- und Vermittlungsformen erarbeiten, die dem veränderten Werkbegriff der Gegenwartskunst Rechnung tragen.

Hier ist nun zu fragen, ob die Struktur und der Auftrag der heutigen Museen noch mit den Vorstellungen der Menschen von heute in Einklang stehen oder ob diese nicht vielmehr ein stärkeres Interesse an kulturellen Erzeugnissen der unmittelbaren Gegenwart und am authentischen Werk bzw. Werkprozess haben. Eine nach kunsthistorischen Kategorien aufbereitete Museumssammlung, die die Vermittlung von Wissen in den Vordergrund stellt, dabei aber die Aura, Authentizität und Kontextualität eines jeden Kunstwerks weitgehend in den Hintergrund drängt, wird von den meisten heutigen Betrachtern nicht mehr – oder nur oberflächlich – wahrgenommen. Der heutige Betrachter wandelt nicht mehr erkennend durch die künstlerischen Erzeugnisse der Geschichte, sondern er schlendert in Freizeitstimmung entlang der chronologisch geordneten Werke und prüft fragend sein Wissen einem Memory-Spiel gleich ab, ohne dem Wesen eines Werkes wirklich nahe zu kommen. John Walsh, ehemaliger Direktor des „Getty Museum“ in Los Angeles, konstatierte bei einem Symposion über die „Krise des Museums“ an der Harvard University, Boston, im Juli 2002 in Bezug auf die meisten der 2000 Museen Amerikas eine Abstumpfung des Publikums, weil die Kunstwerke einer absehbaren ‚storyline’ folgend angeordnet seien. Er forderte in der Konsequenz seine Kollegen dazu auf, die Wahrnehmung der Betrachter zukünftig wieder verstärkt auf das einzelne Kunstwerk zu lenken, um dem eigentlichen Ziel eines Museumsbesuchs, das in der Erfahrung des Wesens der Kunst begründet liege, wieder näher zu kommen. Der Auftrag eines Museums heute muss folglich sein, den Besucher zu einer wachen, nachdenklichen und teilweise interaktiven Rezeption anzuleiten, damit er selbst zum ‚Sinnproduzenten’ wird.

Die Anfänge der Kunsthalle Mannheim

Das erste Gebäude der Kunsthalle Mannheim wurde im Jahr 1907 zum 300-jährigen Jubiläum der Stadtgründung nach Plänen des Karlsruher Architekten Hermann Billing erbaut. Die Architektur wurde zunächst als eine Galerie für die Internationale Kunstausstellung 1907 errichtet, um den Bürgern parallel zu der ebenfalls stattfindenden Gartenbauausstellung einen Überblick über die Entwicklungen von Kunst und Kunstgewerbe in der damaligen Zeit zu geben. Ludwig Dill, Kunstprofessor an der Karlsruher Akademie, konzipierte die damalige Jubiläumsausstellung. Das gesamte Gebäude wurde hierfür – unter dem Eindruck der Bewegung des Jugendstil – mit repräsentativen Räumen unterschiedlicher kultureller und stilistischer Prägung ausgestattet, um der Leitidee einer „Harmonie von Kunstwerk und Raum“ zu entsprechen. Neben anderen Architekten gestaltete auch Peter Behrends einen modernen Ausstellungssaal mit Plastiken von Höttger, Haller und Maillol. Außerdem verzeichnet der damalige Katalog in den Räumen 5 und 8 eine Auswahl von Werken der französischen und belgischen Moderne, darunter Bilder von Monet, Pissarro, Sisley, van Gogh und Gauguin.

Nach dem Ende der Jubiläumsausstellung und dem Ausbau der kunstgewerblichen Prachtausstattung der Räume wirkte die Kunsthalle leer und öde. Der damalige Oberbürgermeister Martin entwickelte daraufhin den Plan, das Gebäude zukünftig als Standort für die städtische Gemäldesammlung zu nutzen, die bis dahin noch als „Großherzogliche Gemäldegalerie“ im Mannheimer Schloss untergebracht war. Im Jahr 1908 bestätigte der Stadtrat Mannheims das Konzept Martins und man begann damit, die Innenräume der Kunsthalle in „einfacher, schlichter Weise und mit bescheidenem Aufwand“ zu renovieren. Im Frühjahr 1909 wurde ein Schüler Heinrich Wölfflins, Fritz Wichert, der damals als Assistent bei Swarzenski am Frankfurter Städel arbeitete, zum Leiter der Kunsthalle ernannt. Er ließ die städtische Sammlung aus dem Schloss in die Kunsthalle überführen und konnte sie, nachdem er ein spezielles Präsentations- und Vermittlungskonzept entwickelt hatte, am 5. Dezember 1909 der Öffentlichkeit vorstellen.

Der geringe Umfang der Sammlung, die Inkonsistenz ihrer Struktur sowie die Dimensionen der zur Verfügung stehenden Ausstellungsräume machten aus der Präsentation eine komplizierte Angelegenheit. Wichert konnte zunächst nur die Räume des Erdgeschosses mit eigenen Beständen bestücken und präsentierte im Obergeschoss unter dem Titel „Meisterausstellung: Ausstellung von Werken des 19. Jahrhunderts“ Leihgaben aus dem Kunsthandel. Er zeigte etwa 100 Werke des französischen Impressionismus und der deutschen Malerei aus dem Umkreis von Wilhelm Leibl. Wichert war außerdem gezwungen, den Beschluss des Stadtrates von 1874 über den allmählichen Erwerb einer Sammlung moderner Gemälde sukzessive zu erweitern, um mit mehr finanziellen Mitteln wenigstens einige Werke moderner Künstler ankaufen zu können. Er bekam etwa im Jahr 1910 einen Ankaufsetat von DM 150.000,- und konnte damals mit privaten Spenden für den Betrag von DM 90.000,- Manets Bild von der „Erschießung des Kaisers Maximilian von Mexiko“ ankaufen.

Wicherts Entscheidung, eine Sammlung internationaler Kunst aufzubauen, wurde außerhalb der Grenzen Mannheims mit großer Achtung wahrgenommen, während sich innerhalb der Stadt neben bewundernder Unterstützung von Seiten vieler Förderer und Stifter aus politischer Sicht Unverständnis und polemische Angriffe formierten. Dennoch baute Wichert bereits in den Jahren vor dem Ersten Weltkrieg einen großen Teil der neuen Sammlung auf, darunter fiel der Erwerb von Werken Monets (DM 8.000,-), Cézannes (DM 35.000,-), Pissarros (DM 4.000,-), Corots (DM 22.000,-) und van Goghs (DM 17.000,-). Zu der Sammlung von Gemälden kam ein bis heute in seinem Umfang stark gewachsenes Grafisches Kabinett hinzu, das ursprünglich ebenfalls aus den Beständen des großherzoglichen Galeriedirektors Carl Kuntz 1873 mit dessen Stiftung aus dem Schlossmuseum übernommen wurde.

Konzeptionelle Leitgedanken für „Die Neue Kunsthalle“

Wenn wir nun nach fast 100 Jahren ihres Bestehens in der Kunsthalle Mannheim programmatisch einen konzeptionellen Neuanfang wagen, dann geschieht dies im Bewusstsein und in der Tradition der Ziele Fritz Wicherts. Im Vordergrund dieses Neuanfangs steht heute jedoch vorrangig das Ziel, die strenge Trennung zwischen den Kategorien der Kunst aufzulösen und die Präsentationsform der Sammlung den Vorstellungen der Gegenwart anzupassen. Ausgewählte Werke des Mannheimer Museums werden zukünftig mit zahlreichen zum Bestand gehörenden oder wechselnden Leihgaben aus internationalen privaten und öffentlichen Sammlungen zu inhaltlich abgestimmten Werkgruppen verbunden. Für den Betrachter ergeben sich anhand ungewohnter Korrespondenzen und Dialoge über Zeiten, Epochen und Kulturen hinweg neue wahrnehmungsästhetische und geistige Freiräume, wie sie in einem traditionellen Museum mit einer auf entwicklungsgeschichtlichen Leitlinien aufgebauten Sammlung so nicht möglich sind.

Werner Hofmann forderte schon 1970, dass die Museumskunst jeweils am zeitgenössischen Kunstbegriff zu messen sei und man in Museen künstlerische „Modellsituationen“ im Sinn der Erprobung neuer Standpunkte entwickeln solle. In Anlehnung an diese Forderung nach einer Anpassung des Museums an die jeweilige Gegenwart und einer kontinuierlichen Aktualisierung seiner Sammlung haben wir in der Kunsthalle Mannheim eine ‚Modellsituation’ geschaffen, die sowohl der Idee des ‚Musentempels’, als auch der des ‚Diskursiven Museums’ verpflichtet ist. Das Präsentationskonzept wird damit zum einen den historischen Sammlungsbeständen gerecht, zum anderen steht es stärker als bisher für die Erweiterung der neueren Bestände sowie für Leihgaben in Form von Werken und Werkgruppen der Gegenwartskunst offen.

Eine permanente Aktualisierung von Gegenwart und Gegenwärtigem kann in einem diskursiven Museum nur durch die radikale Präsentation und Thematisierung des Gegenwärtigen in einer dialogischen Beziehung zum Vergangenen erreicht werden. Insofern sollten zwischen der traditionellen, autonomen Kunst einerseits und Einzelwerken, Werkgruppen, Rauminstallationen oder kontextbezogenen Gestaltungsformen andererseits immanente Bezüge veranschaulicht und erfahrbar gemacht werden, um so das ‚Denken der Gegenwart’ bewusst zu machen.

Darüber hinaus stellt sich in der heutigen Zeit zunehmend die Frage der Globalisierung von Sammlungen. Sie stellt für Museen eine Herausforderung neuer Art dar. Warum sollen sie sich ‚globalisieren’, wenn doch auf dem ganzen Globus bereits Museen existieren, die von ihrem Standort leben und dazu einladen sie zu bereisen? Lars Nittve, der neue Direktor des Moderna Museet in Stockholm, möchte sein Haus in ein globales Museum verwandeln. Er versteht darunter die Erweiterung der Sammelgebiete um zeitgenössische Kunst aus nichtwestlichen Kulturen. Das ist ein berechtigtes Anliegen, nachdem sich die meisten Museen darauf beschränken, die westlichen Besucher erneut zum Schwur auf die Moderne einzuladen, mit der wir uns inzwischen nicht mehr uneingeschränkt identifizieren können. Unter diesen Aspekten wollen wir den Versuch unternehmen, einen Museumstyp zu entwickeln, der dem Betrachter neue geistige Freiräume ermöglicht, indem er ihm die Werke durch ungewohnte Korrespondenzen untereinander sowie über Epochen und Kulturen hinweg näher bringt. So werden in dem stufenweise zu entwickelnden diskursiven ‚Musée imaginaire’ Kunstwerke aus den verschiedensten Epochen der europäischen Kunstgeschichte von der Antike bis heute teilweise auf künstlerische Gestaltungen aus anderen, außereuropäischen Kulturkreisen treffen, um dem heutigen Betrachter aufgrund von strukturalen Analogien sowie einer kontextuellen Präsentationsform wieder ästhetische Erfahrungen zu ermöglichen.

Wenn Siegfried Giedion 1929 zu Recht gefordert hat, die Museen müssten am „Lebendigmachen des Kunstbesitzes” arbeiten, dann ist genau dieser Gedanke Ausgangspunkt unseres Konzeptes. Das Museum als ‚öffentliche Institution’ muss zu jeder Zeit, in seiner jeweiligen Gegenwart, sein Verhältnis zwischen Kunst und Öffentlichkeit neu klären, muss die zu seinen Beständen gehörenden historischen Bilder vergegenwärtigen. Die neuen Ausstellungsräume der Kunsthalle erschließen sich wie die eigenständigen Kapitel eines Buches, denen stets ein übergreifendes Thema und eine dialogische Komponente eigen sind. Diese neue Präsentationsform lenkt die Wahrnehmung des Betrachters nicht nur auf Inhalte und Themen, die für die ‚Erfahrung der Gegenwart’ von Bedeutung sind, sondern ermöglicht auch einen tieferen Einblick in das bildnerische Denken der beteiligten Künstler, die verschiedenen Zeiten, Ländern und Kulturen zuzuordnen sind.

Die unserem Konzept zur neuen Präsentation und Positionierung der Kunsthalle zugrundeliegenden Gedanken über die angestrebte Rolle der Institution ‚Museum’ umschreiben wir folgendermaßen:

  1. Das Museum als Ort des Sammelns, Bewahrens, Erforschens, Ausstellens und Vermittelns von künstlerischen Gestaltungen aus Gegenwart und Vergangenheit.

  2. Das Museum als Ort der Förderung von Kreativität.

  3. Das Museum als ‘Think Tank‘ für das Denken von Gegenwart.

  4. Das Museum als Trainingslager für Wahrnehmung.

  5. Das Museum als Zentrum eines kooperativen kulturellen Netzwerks mit dem Ziel, auf der Basis von gemeinschaftlich organisierten Ausstellungen oder interdisziplinären Veranstaltungen Synergien freizusetzen und operative Mittel zu bündeln.

  6. Das Museum als Zentrum und Katalysator zur ‘Kultivierung der Gesellschaft‘, d.h. als Institution zur Thematisierung von Fragen nach der kulturellen Gestaltung von Öffentlichkeit und als Diskussionsort für Fragen nach der kulturellen Identität von Stadt und Region.

  7. Das Museum als Ort gesellschaftlicher Kommunikation für alle Generationen.

„Die Neue Kunsthalle I – IV“

Mit den seit März 2003 in rhythmischer Reihenfolge stattfindenden Ausstellungen unter dem Titel „Die Neue Kunsthalle“ entwickelte sich das Mannheimer Museum stufenweise zu einem ‚Musée imaginaire’, dessen Sammlung allmählich eine ‚andere Ordnung’ vor Augen führt, wie sie so bisher in keinem anderen Museum der Welt existiert.

Konzentrierte sich die erste Neupräsentation der Sammlung „Die Neue Kunsthalle I“ vor allem auf die Einbeziehung des Mediums der Fotografie, um anhand ausgewählter Positionen Fragen der Wirklichkeit des Bildes vor Augen zu führen, so richtete die zweite, erweiterte Neupräsentation „Die Neue Kunsthalle II“ unseren Blick verstärkt auf die ästhetischen Erfahrungswerte ‚natürlich – körperlich – sinnlich’. Im Zentrum dieser Ausstellung standen primär plastische Gestaltungen – flankiert von Bildern, grafischen Arbeiten und Fotografien –, die auf unterschiedliche Weise Fragen des Körperlichen, d.h. der Nacktheit, Erotik und Intimität in der Aktdarstellung umschreiben. In „Die Neue Kunsthalle III: materiell – immateriell“ lag der Schwerpunkt in der Videokunst. In zahlreichen Räumen des Neubaus erwarteten den Besucher nun Videoprojektionen und Videoinstallationen von internationalen Künstlern im Zusammenspiel mit vielen bekannten, aber auch unbekannten Werken aus den Museumsbeständen.

Mit der Ausstellung „Direkte Malerei – Die Neue Kunsthalle IV“ wollten wir anhand von 40 Positionen internationaler Gegenwartskunst das Rollen- und Selbstverständnis von Künstlern der jüngeren und der jüngsten Generation unter besonderer Berücksichtigung von künstlerischer Individualität und subjektiven bildnerischen Sprachen thematisieren. Mit ihr versuchten wir außerdem, die Strukturen einer sich in den letzten Jahren verstärkt entwickelnden Malerei aufzuspüren, die auf der von Wassily Kandinsky bereits im Jahr 1911 formulierten formalästhetischen Polarität von „reiner Abstraktion“ und „reiner Realistik“ basiert und sich als ein vom „Prinzip der inneren Notwendigkeit“ gesteuerter bildnerischer Ausdruck offenbart. Als zentrale Merkmale ‚direkter Malerei’ lassen sich zum einen die unmittelbare bildnerische Übertragung von teils intensiv, teils flüchtig und selektiv wahrgenommenen Alltagsbildern oder fragmentierten Motiven aus der individuellen Lebenswirklichkeit eines Künstlers erkennen, zum anderen die spontane, unmittelbare malerische Fixierung von Gedächtnisbildern verschiedenster zeitlicher und inhaltlicher Provenienz. Mit der ‚direkten Malerei’ bringen Künstler meist diejenigen ‚inneren Bilder’ zum Sprechen, die sich im Laufe ihres Lebens im Gedächtnis angesammelt haben oder die sie unter Überprüfung der sichtbaren Realität als inhaltlich bedeutungsvolle Teile in ihre Bildwelten übernehmen wollen.

Das Präsentationskonzept der „Neuen Kunsthalle“

„Die Museen sind die Universitäten von Morgen“                       Peter Sloterdijk

Um die Kunsthalle zu einem ‚Museum der Gegenwart’ zu machen, haben wir in einer ersten Phase vor allem die drei Gebäudeteile Altbau, Neubau und Bunker zu einer komplexen aber in sich schlüssig gegliederten Einheit verschmolzen. Der Altbau wird – seiner ursprünglichen Bestimmung entsprechend – in beiden Geschossen wieder mit Sammlungsräumen versehen, um der in einer langjährigen Entwicklung veränderten Rolle eines ’stillen Anhängsels’ entgegenzuwirken. Ähnliches haben wir durch behutsam vorgenommene architektonische Einbauten im Neubau sowie durch die in vielen Räumen aller Gebäude vorgenommene veränderte Lichtführung zu erreichen versucht.

In fast allen Räumen des Altbaus, des Neubaus und des Bunkers werden ab 1. April 2006 Werke der Gegenwart mit Werken der Sammlung zu behutsam inszenierten inhaltlichen Werkgruppen verbunden. So wird der Altbau zum einen in seiner ästhetischen Wirkung wieder attraktiver, zum anderen wirkt sich der Gewinn an Räumen für die Sammlung positiv auf die Präsentationsform der Werke aus.

In der Kunsthalle Mannheim wurde nun ein Präsentationskonzept entwickelt, das zum einen den historischen Schwerpunkten der Sammlungsbestände gerecht wird, zum anderen mit großer Intensität neue Werke und Werkgruppen der Gegenwartskunst so integriert, dass beide Elemente genügend Raum zur Entfaltung haben. In der „Neuen Kunsthalle“ werden in den nächsten Jahren in rhythmischen Wechseln Werke der unmittelbaren Gegenwart mit historischen Kunstwerken zu dialogartigen Konstellationen zusammengestellt werden, damit sich ihre inhaltlichen und ästhetischen Besonderheiten wechselseitig beleuchten und beim Wahrnehmungsprozess in verdichteter Weise zum Ausdruck kommen können. Wir werden zunehmend Kunstformen verschiedener Zeiten, Kulturen und Entstehungsorte in der Weise kombinieren, dass sie sich aufgrund von Gemeinsamkeiten im Inhaltlichen oder strukturell Wesenhaften zu komplexen dialogischen Partnerschaften ergänzen. Darüber hinaus wird die strenge Trennung zwischen den Kategorien Malerei, Plastik, Grafik, Kunsthandwerk, Fotografie, Video und Rauminstallation aufgelöst. Unsere Wahrnehmung erfährt somit insgesamt durch die produktiven Korrespondenzen von Werken unterschiedlicher Gattungen, Medien, Zeiten und Kulturen neue Impulse.

Aufgrund dieser Öffnung des Museumskonzeptes in Richtung auf eine ganzheitliche Museumsstruktur war und ist es notwendig, geeignete ‚Partnerwerke’ für die bereits in der Sammlung vorhandenen Arbeiten zu finden, um komplexe Dialoggruppen herzustellen. Ergänzt wurde die „Neue Sammlung“ in dieser umfassenden Neupräsentation durch Schenkungen, Dauerleihgaben und Leihgaben von Künstlern, Sammlern, Stiftern, Förderern, Museen oder vereinzelt auch durch Neuerwerbungen. Kein Museum der Welt kann auf einen ‚Besitz’ zurückgreifen, der allen zuvor angedeuteten Aspekten und Anforderungen gerecht werden könnte. Das Museum der Gegenwart und Zukunft muss sich deshalb immer mehr Partner suchen, die Schenkungen tätigen sowie Dauerleihgaben oder Leihgaben zur Verfügung stellen. Dies können andere Museen sein, Privatsammler, Künstler oder Galerien. Wir plädieren wohlgemerkt nicht für ein ‚Sammlermuseum’, das von einem oder wenigen Sammlern bespielt wird und deshalb von diesen abhängig ist. Vielmehr sprechen wir uns für ein System des komplexen Netzwerks der Unterstützung durch viele Partner und Paten aus, die der Institution temporär oder langfristig helfen, die aber auch immer wieder wechseln können. Dadurch wäre zum einen gewährleistet, dass die jeweilige Kunst der Gegenwart auch zeitgenössisch vertreten ist und nicht erst im Nachhinein, zum anderen könnten nach Weggang einzelner Werke oder Partner andere die gleiche oder eine ähnliche Aufgabe übernehmen.

Die „Neue Sammlung“ der Kunsthalle verteilt sich panoramaartig und wie eine Erzählung nach Kapiteln gegliedert über die Ausstellungsräume. Diese ‚Sammlung auf Zeit’ wird nach fünf Monaten teilweise wieder verändert und durch andere Inhalte und Themen ergänzt. Einige der präsentierten Werke, die als langfristige Leihgaben zur Verfügung stehen oder die wir ankaufen möchten, werden kontinuierlich und behutsam in die historischen Sammlungsbestände integriert.

Als einen neuen Akzent innerhalb des Präsentationskonzepts und einen von vielen Bausteinen des soeben eröffneten Hector Forschungszentrums haben wir die so genannten Projekträume entwickelt, die der Präsentation, Förderung und Vermittlung der jüngsten Gegenwartskunst dienen sollen. Wir möchten junge Künstler aus der ganzen Welt jeweils für einen bestimmten Zeitraum in die Kunsthalle einladen, damit sie – auf der Basis kleinerer Stipendien oder Fördermodelle – vor Ort Ideen entwickeln oder neue Werke realisieren können, die dann vor einem interessierten Publikum präsentiert und zur Diskussion gestellt werden. Im Zusammenhang damit werden wir großen Wert auf den Dialog sowohl zwischen Künstler und Mitarbeitern wie auch zwischen Künstler und Publikum legen. Weiterhin haben wir es uns zum Ziel gesetzt, ausgewählte junge Kunsthistoriker und Kuratoren dafür zu gewinnen, ihre Ideen und Vorstellungen für Ausstellungen, Workshops und interdisziplinäre Projekte bei uns zu realisieren und damit entweder ‚Berufserfahrung’ zu sammeln oder auch einen Dialog unter Kuratoren unterschiedlichster inhaltlicher Ausrichtung zu eröffnen. Die Kunsthalle wird hierdurch ein zusätzliches Potenzial an kreativen Energien gewinnen und öffnet neue Türen für jüngere Generationen.

Rolf Lauter